Es ist ein merkwürdiges Gefühl, wenn man in einem Meeting sitzt und plötzlich merkt, wie sehr der Ton das Verständnis einer Szene beeinflusst. Bei einem Projekt, an dem ich mal gearbeitet habe, hing die ganze Wirkung eines eigentlich simplen Videos davon ab, ob die Geräuschkulisse akkurat war – ein leiser Windhauch, der kaum auffällt, sorgte erst dafür, dass die Stimmung glaubwürdig wirkte. Wer es nicht erlebt hat, unterschätzt leicht, wie sehr solche Details den Unterschied machen zwischen „passt schon“ und echtem, professionellem Eindruck. Viele glauben, sie wüssten, wie Audio für Video funktioniert, nur weil sie ein paar Regler schieben können oder wissen, wie ein Equalizer aussieht. Aber das bleibt an der Oberfläche. Die wirkliche Tiefe kommt erst, wenn man versteht, wie man mit Sound Räume schafft, wie Stimmen plötzlich präsenter werden, weil man sie nicht einfach nur lauter macht, sondern ihnen eine gewisse Wärme gibt. Man entwickelt ein Gespür dafür, wann ein Geräusch den Schnitt stört, oder wann gerade ein kleiner akustischer Fehler Spannung erzeugt. Und irgendwann merkt man, dass es nicht darum geht, jedes Geräusch „wegzumachen“ – manchmal muss etwas roh bleiben. Das ist so ein Punkt, den viele nie hinterfragen, weil sie gelernt haben, dass Perfektion das Ziel sei. Aber Perfektion ist oft leblos. Was diese Herangehensweise so besonders macht, ist der Mut, gängige Regeln zu hinterfragen. Warum soll beispielsweise jede Stimme immer glasklar sein? In manchen Dokumentationen hat ein leicht verrauschter O-Ton genau das bewirkt, was kein Studio-Mikrofon je geschafft hätte: Authentizität. Wer das einmal bewusst erlebt hat, kann nie wieder nur nach Lehrbuch arbeiten. Die eigene Kompetenz wächst nicht nur in der Theorie, sondern in der Fähigkeit, Situationen zu lesen und zu entscheiden, was wirklich zählt – und das ist in der Praxis oft etwas ganz anderes, als man denkt.

Die ersten Wochen beginnen meistens ziemlich praktisch – nicht langes Gerede, sondern direkt rein ins Editing-Tool. Die Teilnehmer bekommen gleich zu Beginn Rohmaterial und sollen einfache Schnitte setzen, Tonspuren anpassen, vielleicht schon Lautstärke pegeln. In einem Modul geht’s dann um die Synchronisation von Bild und Ton, und plötzlich merkt man, wie komplex das Thema eigentlich ist, gerade wenn mehrere Takes übereinanderliegen. Manchmal denkt man: „Warum klingt das jetzt so dumpf?“ – und dann sucht man minutenlang nach dem Fehler. Im dritten oder vierten Abschnitt taucht dann das Thema Sounddesign auf, mit Geräuschkulisse und Atmo. Da kommt oft Frust auf, wenn das Ergebnis nicht „filmisch“ klingt, aber das gehört halt dazu. Und irgendwann steht man vor der Aufgabe, Musik einzubauen, Übergänge zu schneiden – z. B. wenn eine Szene von der Straßengeräuschkulisse in einen ruhigen Innenraum wechselt. Die Dozenten setzen meist auf ein „learning by doing“, geben kurze Inputs, dann aber viele Aufgaben, oft mit Feedback in der Gruppe. Ehrlich gesagt, da lernt man mehr aus den Fehlern der anderen als aus dem Skript.